La Panik d'Asnières en live

Alors voilà, c'est l'histoire de Nicolas Dubreuil, qui se définit lui-même comme un « aventurier et conteur polaire » (1), spécialiste du monde des glaces qu'il sillonne en kayak, à ski et pulka, en traîneau, skidoo, à pied et sous l'eau, plongée sous glace, parapente, paramoteur, escalade, alpinisme, cascade de glace... De l’Alaska à la Géorgie du Sud en passant par le Nunavut, le Spitzberg, la Sibérie, l'Islande, la péninsule Antarctique et le Groenland, il accompagne et guide des expéditions en autonomie complète, de sportifs, de scientifiques ainsi que des équipes de tournage, des personnes handicapées, des touristes... (2)

Allez, j'avoue, un point nous est commun à tous les deux : Asnières ! Il y est né et moi j'y vis... bon, on s'en fout, c'est vrai. Revenons à nos ours.

Donc, Nicolas va plus loin encore en développant, à partir de ces expériences, une vision humaine et moderne des régions polaires qu'il investit dans une thèse en ethnologie portant sur l'évolution des techniques de chasse traditionnelles à l'ours polaire et au narval en kayak au Nord du Groenland. Pour ce faire, il emménage dans le village le plus extrême du Groenland, Kullorsuaq (prononcer " Kouchlorsouaq ") où il partage la vie et l’intimité des habitants, découvre l'organisation et la vie des derniers chasseurs du pôle, leur fonctionnement, leurs coutumes et leurs habitudes. Mais aussi leurs problèmes, leurs peurs et leurs incertitudes. Il en rapporte des images et des informations témoignant de l’évolution et du bouleversement de la vie quotidienne des peuples de l’Arctique. « C'est l'occasion de découvrir un univers totalement à rebours de la pensée occidentale, dans lequel les hommes maîtrisent aussi bien la chasse au Narval que les subtilités de Facebook. Un monde on ne peut plus démocratique où les femmes tiennent un rôle fondamental » (3).

Une fois de plus, revenons-en à nos phoques. C'est donc là, à Kullorsuaq, que Nicolas côtoie, entre autres, ses amis Ole Eliassen, l'éternel romantique, et Adam Eskildsen, le timide coquin, les deux chasseurs traditionnels qui lui rendront visite en France en juillet 2013 et qui seront depuis les protagonistes d'une belle aventure immortalisée par le réalisateur Sébastien Betbeder et partagée avec les comédiens français Thomas Blanchard et Thomas Scimeca !

Un premier moyen-métrage « Inupiluk » : ce soir, comme 2 ou 3 fois par semaine, Thomas rejoint Thomas au café, là où ils ont leurs habitudes. Mais l’esprit de Thomas est ailleurs : son père, explorateur, immobilisé suite à un accident, l’a chargé d’accueillir ses amis inuits Ole et Adam pour leur première visite à Paris, leur première sortie hors du Groenland… « une fable souriante, trente minutes et quelques d'humour et de justesse, entre fiction et documentaire » (4).

Un deuxième film « Le film que nous tournerons au Groenland » : Sébastien Betbeder et ses comédiens Thomas et Thomas se donnent rendez-vous pour imaginer le scénario du film qu’ils tourneront dans un an au Groenland, à Kullorsuaq – une suite à Inupiluk. On y retrouvera les personnages d’Ole et Adam, c’est même le fondement du projet, mais ce qui s’y déroulera, ils ne le savent pas encore…

Un long-métrage « Voyage à Kullorsuaq » en cours de réalisation et qu'on peut suivre en simultané sur le site dédié, plutôt sympa et inventif et qui regorge d'infos intéressantes sur les Inuit, le village et ses habitants, les loisirs sur la banquise, la musique, les maître-chiens, etc., en photos et articles, rédigés notamment par Nicolas Dubreuil.

Moi, je kiffe trop l'amusante websérie dont on devient vite accroc...

... et le journal de bord bien-sûr !!

(1)(3) Le choix des libraires, présentation des éditeurs (13 déc. 2013)
(2) Sikumut.
(4) Telerama.

En savoir plus :

Sites Internet :

Nicolas Dubreuil : Sikumut et Facebook
Inupiluk sur Facebook
Voir, en exclu sur Telerama, les deux films de Sébastien Betbeder : “Inupiluk” et “Le Film que nous tournerons au Groenland”.
L'entretien avec le réalisateur Sébastien Betbeder.
Un projet transmedia pour nous emmener au cinéma et au Groënland : Voyage à Kullorsuaq

Bibliographie :

Aventuriers des glaces, de Nicolas Dubreuil et Michel Moutot, ed. A vue d’œil, 2012.
Kullorsuaq. Un village aux confins du Groenland, avec Tiphaine Perin, Edition La Martinière, 2013.
Mystères polaires de Nicolas Dubreuil et Ismaël Khelifa, Edition La Martinière, 2013.

Autre billet : Voyage à Kullorsuaq (suite)

Ah je ne suis pas peu fière... de pas grand chose, certes, certes... d'être tout simplement ressortie ce soir de mon antre pour aller voir une séance "classique" à l'Alcazar...

On peut parler d'une étude de mœurs dont je sors un peu "nostalgique" ; c'est pourtant ni mon époque, les années 1970, ni ma génération, la cinquantaine ; plutôt "mélancolique" alors.

Ça démarre sur une partie de foot, à la campagne, dans un halo hivernal. Des vieux qui (re)jouent, des vieux qui s'amusent, qui se lâchent, des amis quinquas qui partagent leur fin de semaine, dans une ellipse de vie fraternelle. D'emblée, on est dans une ambiance champêtre, légère et conviviale mais qui dégage déjà quelque chose de chagrin, de nostalgique, de pittoresque... comme un voile entre eux et nous qui nous rendrait spectateur d'une vie déjà consumée. Je ne sais pas si c'est lié techniquement au support du film et à sa réalisation qui date de 1974, et qui a été restaurée, mais une tonalité toute particulière, un peu désuète 40 ans après, s'en dégage et reste touchante. Est-ce qu'à l'époque de sa sortie, c'était quelque chose de voulu et/ou de ressenti comme tel ?

En attendant, on est plongé dans ces vies d'hommes (car les femmes sont apparemment secondaires ; je dis apparemment car en fait, ce sont elles qui provoquent la rupture pour (re)vivre) qui délaissent leur existence pesante pour mieux s'empoigner, gaiement mais aussi brutalement, laissant progressivement émerger leur mal-être respectif. On pense frôler - et même pénétrer - l'intimité de cette galerie de portraits ; d'ailleurs, on compatit voire on descend avec eux vers les abîmes et tréfonds de leur être en déprime mais, en réalité, force est de constater qu'on reste en marge... les dialogues sont circonspects, le silence souvent prégnant...

On oscille donc entre la maison de campagne, cocon de moins en moins illusoire, et la vraie vie, de plus en plus amère. Entre la volonté - de plus en plus - fugace de nier le temps, les fêlures, les blessures, les fragilités, les faiblesses... et le temps qui passe, qui nous rattrape et ne nous rajeunît pas ! On est touché parce que le film privilégie les personnages par rapport aux situations. La lecture de ce film est bien à deux niveaux : d'une part, l'histoire juste et sobre d'échecs individuels et, d'autre part, un témoignage hautement sociologique sur la classe moyenne des années 1970, pointant les premiers signes de la crise économique, morale et affective.

On est finalement témoin de crises existentielles personnelles qui préfigurent la grande crise à venir, celle d'un milieu petit-bourgeois jusque-là préservé et de la fin d'un monde, celui de la réussite des héritiers des Trente Glorieuses... Deux échelles, nationale et personnelle... en écho au futur choc pétrolier, c’est l’ordre familial qui est également bouleversé : les femmes s’émancipent et les épouses choisissent leurs vies et parfois quittent leurs hommes. Ah, nous y voilà !

Voilà ce qu'en disait L'Express en septembre 1974 :

Finalement le thème du film n’est pas l’amitié, mais plutôt l’usure, l’échec, la fin d’une période opulente, les épreuves qui rapprochent et nourrissent l’amitié. Les personnages de Claude Sautet sont pour lui « en état de survie par rapport à la plénitude dont ils avaient rêvé. »
La mélancolie du propos trouve écho dans la mise en scène et l’ambiance donnée au film : une maison de campagne, une lumière douce mais pâle, un soleil d’hiver. L’inoubliable thème de Philippe Sarde (inspiré des six premières notes du standard américain In The Still of the Night) renforce ce sentiment de spleen. Claude Sautet confiera à François Truffaut à propose du film : « La vie est dure dans les détails mais elle est bonne en gros. »
Gilles Jacob résume justement : « Si le film de Claude Sautet nous bouleverse à ce point, c’est que nous sommes tous des Vincent, des François et des Paul. Des Vincent, surtout, sur qui s’amoncellent les menaces. Nous craignons pour sa vie, pour ce cœur qui broute et réveille en nous la seule question majeure : la peur de mourir. Toute l’émotion et la leçon du film sont dans cette image crépusculaire de Vincent, frileusement blotti entre le parapluie de la sagesse et le compte-gouttes de la solitude. Quelle mélancolie. » (L’Express, 30 septembre 1974). "

Et puis, pour finir, ils sont tous morts... ou presque... à part Piccoli et le jeune Depardieu de l'époque... quoi que...

Film de Claude Sautet (France, 1974). Scénario : Jean-Loup Dabadie, C. Sautet et Claude Néron, d'après son roman La Grande Marade. Image : Jean Boffety. Musique : Philippe Sarde. 120 mn. Avec Yves Montand : Vincent. Michel Piccoli : François. Serge Reggiani : Paul. Gérard Depardieu : Jean. Stéphane Audran : Catherine.

Ça commence comme Microcosmes et ça finit comme Apocalypse now !!! (Le Masque & la plume)

Une ébouriffante aventure... en 3D

Un passage que j'ai particulièrement apprécié : l'équipée sauvage en mode descente raft !!

De belles images... des décors naturels filmés en prises de vues réelles, des paysages radieux...

Et tout ça sur une bande-son sympa et sans voix-off pénible !!

Film d'animation français réalisé par Thomas Szabo, Hélène Giraud et sorti le 29 janvier 2014 (1h29min).

Mon premier rapport à ce film, je l'avoue, est assez négatif et tout emprunt d'a priori. Vierge de toute critique extérieure, ma première réaction - à la lecture du synopsis - me fait lâcher dans un soupir : « mais qu'est-ce que ce gros navet encore ? ». L'affiche, honnêtement venait corroborer ces premières impressions tout à fait subjectives et irréfléchies : un énième film sur la jeunesse dans le genre truc d'ados pour ados attardés.

Deuxième rapport à ce film : j'en parle avec une collègue du boulot, qui forte de sa formation à Sc. Po. et en école de journalisme, de sa fonction « webmaster éditorial », et de sa reprise d'études en master histoire immigration/histoire cinéma - franco-allemand... bref, une tête, non ? hé bah, elle, l'intello, me dit que c'est génial. Ouarf. J'en ai suffisamment entendu, cela m'intrigue mais le temps passe.

Troisième rapport à ce film qui a raison de moi : la semaine promotion du ciné avec Télérama ce qui permet de revoir un film sélectionné ! Alors, là, je m'dis que trop c'est trop, que je ne dois pas rater l'occase et c'est comme ça que je vais voir Camille redouble à l'Alcazar.

Camille, elle a déjà un certain âge (dans les 53 balais mais bon, y a comme un mystère là car si son mec la plaque 25 ans après qu'elle ait eu un gosse à 16 ans... ça lui fait 41 ans... m'enfin, c'est bien connu, j'suis nulle en calcul mental !) - d'ailleurs, c'est bizarre car pour moi, ayant eu justement une de mes meilleures amies de lycée s'appelant Camille, je ne peux concevoir d'associer ce prénom-là à cet âge-là ! - Camille donc, elle a déjà une fille de 25 ans et un mec, le père, qui la quitte pour une autre. Elle erre chez elle, dans la rue, dans son boulot, dans sa tête, dans sa vie. Elle erre, désespère et noie sa colère et son chagrin dans l'alcool... jusqu'à un 31 décembre, minuit, au comble de la fête, au comble du bonheur simulé, au comble de l'hypocrisie, un silence, une pause, une bulle (de trop), un potentiel renouveau s'immortalisent dans un beau coma éthylique qui l'expulse de sa propre vie et la renvoie à ses 16 ans.

Et la voilà plongée à nouveau dans le monde de son adolescence, avec ses copines de l'époque, ses parents d'alors, en plein milieu des années 1980. Elle a soudainement le pouvoir de changer le cours de sa vie déjà passée mais qui reste à venir, de ne pas retomber dans les mêmes pièges, d'aller vers d'autres horizons... Connaissant son futur, elle a le pouvoir d'interférer sur son passé.

Après un superbe générique, je suis déjà très touchée par cette femme amochée. C'est la réalisatrice elle-même qui joue ce rôle. Elle est formidable et joue sans aucun effet spéciaux. Dans ce corps bien peu adolescent, évidemment source de burlesque, autant dire qu'elle porte la jeunesse autrement. C'est un film émouvant et drôle. La réalisatrice a gardé les rêves de son époque, d'où une certaine exaltation en offrant la possibilité de refaire sa vie, en se posant des questions, en parlant de choses graves et tristes avec légèreté, humour et sensibilité, en refaisant éventuellement les mêmes conneries... Mais il rappelle surtout le degré supérieur de conscience de Camille : elle sait tout des vingt-cinq années suivantes, qui va se marier, tomber malade, mourir... Se recueillir ou agir, l'héroïne hésite.

Ainsi, par exemple, elle s'empresse d'enregistrer la voix de sa mère, l'autre personnage d'une présence physique incroyable (Yolande Moreau) et dont elle sait la mort imminente, pour en garder, cette fois, la trace.

En amour et à la lumière de ce qu'elle sait déjà avoir vécu, elle cherche alors, non seulement à résister au fameux coup de foudre lors de sa rencontre avec son futur mari et futur-ex, mais à faire payer à l'innocent d'alors sa trahison future.

A vrai dire, le charme irrésistible et ultime du film est de retrouver l'essence de ses années lycée sans en subir les contraintes du présent, de proposer un bilan existentiel sous la forme d’une ballade sentimentale restituant le parfum d’une époque. La réalisatrice assume jusqu'au bout l'idéalisation du passé. Il y a comme une magie dans les retrouvailles avec les parents, les copines, la chambre d'ado tapissée de photos d'acteurs, les fringues, le vélo, le walkman... mais aussi les garçons, les profs. Mais pour autant, il offre aussi une version « propre », « claire », éloignée, distanciée du présent indéchiffrable vécu par les ados. C'est bien une comédie ravageuse entièrement fondée sur le décalage entre l’ordinaire d’une vie d’ado et l’extraordinaire de la perception qu’en a cette quadra magiquement téléportée dans son passé.

Conclusion : au Masque (23 sept. 2012), ils sont unanimes : « Le meilleur film français de l'année, il hisse la Comédie française à un niveau extraordinaire. C'est un film inclassable, une comédie mais avec beaucoup d'émotion, très touchant et très intelligent, un voyage dans le temps... »
Bref, ce film nous parle à tous parce que son objet est universel. Il fait preuve de pétillance dans sa mise en scène et maintient un état de grâce jusqu'au bout. Derrière la comédie nostalgique, il est possible de retrouver la liberté adolescente et de faire revivre le passé. On pleure et on rit ; on rit et on pleure.

Camille redouble de Noémie Lvovsky avec Noémie Lvovsky... Un très beau casting : Samir Guesmi, Yolande Moreau, Michel Vuilllermoz, Denis Podalydès, les interventions de Mathieu Amalric et de Jean-Pierre Leaud...

Crédits photos : © Gaumont Distribution.

The Master de Paul Thomas Andersen avec Joaquin Phoenix (Freddie) et Philip Seymour Hoffman.
© Metropolitan FilmExport

Ok ok ! Je suis allée voir ce film les yeux fermés, encouragée par de nombreuses critiques dithyrambiques : "Premier film choc de l'année", "Époustouflant", "Chef d’œuvre", "Attention, monument", "La foudre au ralenti, la beauté sur l'écran, un chef d’œuvre", "Immense film, incontestablement, indéniablement, une œuvre magistrale, d'une beauté formelle absolue", etc. Et puis bon, dernier argument du chapeau pour convaincre si besoin en était encore, de l'absolue nécessité de voir ce film déjà gagnant... l'auteur Paul Thomas Anderson (PTA) qui a réalisé - entre autres - "Magnolia" à 28 ans et "There will be blood" ! Grand cinéaste, que dis-je, prodige de 42 ans, très ambitieux, dont "le cinéma respire très haut" (quelle belle métaphore que je trouve néanmoins insignifiante !), qui est "capable de plans d'une beauté incroyable et d'un dialogue filmé en champ contre champ". "Ce cinéaste d'une aisance qui rend captif". Bref, un génie ce type là ! Je n'avais donc aucun autre a priori que ces éloges de critiques conquis sans m'être d'ailleurs plus informée du synopsis que cela. Je ne pouvais donc en sortir que conquise moi aussi...

L’intrigue prend racine dans l’Amérique de l’après-guerre, celle des soldats qui rentrent traumatisés du front, dépouillés de leurs repères, tentant de se réinsérer dans une société qu’ils ne comprennent plus. C'est un film sur le silence, sur l'inquiétude, sur l'avenir qui n'arrive jamais pour un ancien soldat, sur les années 1950 d'un vide sidéral, sur une Amérique de grands magasins, de technicolor, de moquette orange, de photographies glacées. Au travers des tentatives de réinsertion chaotique de cet ancien marin, le film donne à voir la violence que le monde occidental a traversé au lendemain de la Seconde Guerre mondiale. Il exprime la quintessence de l'imaginaire national, l'émergence du capitalisme moderne, l'atmosphère paranoïaque de l'Amérique des années 1950, entre frénésie de consommation et mal-être exis­tentiel. Et c'est justement dans ce contexte emprunt de fragilité absolue et dans cette dualité que se glisse le besoin d'une spiritualité, que se glisse le gourou... Le film fait donc aussi le portrait de la naissance d'une secte mais sans en forcer l'examen critique.

Jusque-là, en théorie, on ne peut être que séduit(e) : tout ce que j'aime, la profondeur d'un contexte socio-historique mis en abyme dans un parcours individuel voire personnel ou vice-versa d'ailleurs ; tout cela sur un fonds de réflexion border-line psychanalytique-spirituel-ésotérique-sectaire-charlatanesque... mmhhh...

Tout commence avec Freddie... Un ex-marins, un vétéran alcoolique et ivrogne, désabusé et désorienté qui, après s'être battu dans le Pacifique, revient en Californie traumatisé de la Seconde Guerre mondiale. Un type colérique et sauvage qui a du mal à gérer toute la violence qu'il a en lui et qui distille sa propre gnôle. C'est dans une scène inaugurale soit-disant époustouflante qu'on le voit apparaître sur une plage, en train de s'échiner, seul mais face à ses congénères, sur une poupée de sable, pur objet sexuel éphémère et finalement, tel un soldat détraqué voire un psychopathe, à libérer - exulter - ses pulsions sexuelles face à la mer...

Là, diverses impressions m'envahissent entre la surprise, l'incompréhension, le dégoût, le questionnement, le "suis-je coincée ou bien déjà réac' à mon si jeune âge"... mais aussi la curiosité, le suspens, la patience, l'indulgence... après tout, le film ne fait que commencer, laissons-nous aller, que puis-je connaître intrinsèquement du traumatisme de guerre... ne jugeons pas, attendons de voir.

Alors on va chercher dans la personnalité, qui se veut complexe, de ce marin détraqué qui s'exprime de façon hirsute dans ses mouvements, ses actions, ses mimiques, ses gestes incontrôlés et son jeu de corps dégingandés (d'aucun font référence à l'Actor studio, à la James Dean ou à la Brando). On le voit émacié, la bouche tordue, à moitié en nage, près à exploser à la moindre étincelle. On tente de comprendre ce personnage en grande partie inexplicable dont le jeu est illisible. C'en est dérangeant car on s'demande s'il est handicapé, victime d'une maladie, traumatisé, pire encore... "juste débile"... ce qui serait le pire dans le sens où cela corroborerait les théories morpho-psycho où toutes les violences rencontrées, affrontées, traversées, subies par un Homme s'exprimeraient irréversiblement physiquement. Or, on sait bien qu'il ne faut pas se fier aux apparences. Ouahhh, flippant, mais c'est semble-t-il tout cela, à savoir la fragilité absolue de cet homme en contradiction avec sa nature toute boule de nerfs, tout le temps en train d'agresser tout le monde, qui fait sa force et celle du film !

... et se poursuit avec Dodd Ainsi, Freddie tente naturellement de trouver des réponses à ses angoisses auprès de Lancaster Dodd, gourou et intellectuel mystique, penseur charismatique meneur d’un mouvement nommé la Cause (inspiré de L. Ron Hubbard, le fondateur de la scientologie) et ses théories fumeuses sur l'origine de l'âme. Lui-même fasciné par la personnalité de Freddie, il le prend sous son aile au sein de sa secte. Présenté comme un homme charismatique ou tout au moins d'un magnétisme inquiétant, d'une fureur sournoise, très agile mais dont l'emprise sur son entourage s'étiole néanmoins : rapports compliqués avec sa femme, perversité, la fille qui drague Félix... il croit savoir comment l'humanité peut maîtriser le côté le plus sombre de sa nature.

Là encore, on s'lâche : "le désert, la masse, un Seymour Hoffman dans une pure interprétation à l'anglaise, à la Laurence olivier, qui ferait penser à Orson Wells, Citizen Kane". Bref, un prodigieux personnage ; tiens, tiens, lui aussi très Brando... !

Deux personnages en quête... Frondeurs, acolytes, sauveurs, maîtres, esclaves, amis, alter-ego, fantômes, bref, un duo de choc ! Dans ce couple incroyable, où la maigreur de l'un s'oppose ostensiblement à la grosseur de l'autre, on voit s'affronter deux animaux inséparables qui, dans une relation complexe faite, certes de séduction, d'attraction mutuelle, de fascination, mais aussi de répulsion, de dégoût, de conversion et de rédemption, mais surtout de dépendance, expriment des rapports de domination où l'on ne sait plus qui l'emporte du gourou ou du serviteur ? D'ailleurs, la complicité à la fois évidente et retorse qui unit ces deux hommes - avec la complaisance et sous l’œil de la femme (j'y reviendrai) - aspirent les autres personnages au second plan. Des plans tout en alternance, deux styles de jeu, deux solitudes. Cependant, le risque d'une telle prouesse d'acteurs est de se focaliser sur eux au détriment de qu'ils racontent... Même si les scènes impressionnantes de pseudo-thérapie, d'hypnose et autres « mises en condition » sont poussées aux limites de l'intégrité physique, Freddie trouve son compte dans les expériences de Dodd mais n'est jamais dupe des élucubrations du faux visionnaire. Quant au gourou qui prend Freddie comme cobaye idéal, il ne saurait vivre sans le « cocktail magique » (un tord-boyaux à réveiller les morts) concocté par celui qu'il considère comme son fils adoptif... Ainsi, Philip Seymour Hoffman fait son numéro de gros nounours charismatique - impossible de le détester complètement et Joaquin Phoenix joue comme s'il avait un lumbago, ou confondu ses cachous et ses amphètes. Malgré le face à face de ces deux immenses comédiens qui racontent une relation puissante, intime, destructrice mais, en fait, l'emprise d'un être sur un autre, le spectateur est laissé, comme les acteurs semble-t-il, à lui-même... dans un climat de fable hallucinée. Le film promeut une profonde réflexion sur la liberté et la manipulation car entre ces deux-là que l'alcoolisme unit, se nouent des rapports bizarres entre séduction et sentiments presque filiaux qui évoluent progressivement vers de la déception, puis l'abandon. Il n'y a alors rien de plus tragique que deux proches qui ne se comprennent plus. Un fossé s'est creusé. Plus personne n'apporte rien à l'autre.

Les marionnettes d'une femme (Amy Adams) ?
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Attention, dans l'ombre de ce fabuleux casting masculin se dégage paraît-il un élément encore plus dangereux : l'épouse, toujours maîtresse de ses émotions et ce, avec une douceur terrifiante... Ce personnage de la femme extraordinaire entre ces deux hommes n'est malheureusement pas assez développé par rapport à leur histoire et reste trop en retrait. Moi, je la trouve même carrément fadasse et limite même le cliché de la femme mante-religieuse qui tirerait les ficelles... bah voyons ! Les enfants, eux aussi insignifiants, font tapisserie.

Au service de "La Cause" ou quoi qu'on croit, l'important c'est d'y croire ? Comme dit PTA, "cette idée doit être quelque part dans le film, quand une réplique du Maître dit : “je n'ai jamais vu de pyramides pourtant je sais qu'elles existent”. C'est très fort, très convaincant, ça dit qu'il faut croire à quelque chose et à n'importe quel prix. On y est arrivé quand on n'a plus de doutes, quand le doute n'existe plus. Plein de gens pensent que croire positivement, c'est garder des doutes. Lui, non, il dit que pour vraiment comprendre l'abandon, il faut croire sans conditions." "Les gens s'attendent peut-être à un film sur la scientologie. Mais ce n'est pas le cas. Du coup, on en parle, c'est bien. Le film s’écarte de ce sujet là, il va ailleurs. J'espère qu'un jour, dans quelques années, les gens n'y verront que "L'histoire de 2 hommes et d'1 femme, d'un triangle". Ce film traite finalement plus de la psychanalyse que de la scientologie. Deux choses en commun, deux moyens d'en savoir plus sur soi-même. D'aucun disent même que "c'est un film d'amour !" Heuh, mouais, bon, hé, oh, faut pas pousser mémé dans les orties !!
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Le film Si les critiques s'accordent à dire que la photographie - du chef op' des derniers Coppola - est somptueuse et que la partition du guitariste de Radiohead, Jimmy Greenwood, est envoûtante, le scénario s'avère, quant à lui, complexe et surprenant ; beaucoup de thèmes sont, en effet, traités et entrelacés. Mais il se montre aussi lent et long, manquant de vélocité. On évoque une mise en scène souveraine, d'une éblouissante beauté, d'une flamboyance qui l'emporte sur l'émotion, surtout avec les travellings latéraux, mouvements de caméra virtuoses, devenus la marque de fabrique du réalisateur, mais on aurait aimé qu'elle soit un peu plus fragile, abandonnant le côté colosse du film pour être plus tremblante, plus frénétique et assumant la psychologie un peu nébuleuse des personnages.

"Rythmée par la musique, la moindre séquence coupe le souffle, vrille le cerveau, tape sur les nerfs. Anderson lance des navires en pleine mer, scrute des tempéraments inflammables. Il hisse le cinéma au niveau de la haute littérature." Wooooowhhhh ! Hééééé ! Attends-là un peu !!! Ok, chaque scène du film intrigue ou intéresse mais leur juxtaposition peine à faire sens. Au final, il n'y a pas vraiment de dramaturgie. Ce qui revient beaucoup dans les critiques d'ailleurs, c'est : où va cette histoire ? qu'est-ce qu'elle veut dire ? Alors, on peut se demander si un film doit absolument dire et prouver quelque chose ? On peut aussi en conclure que le film n'a rien à dire dire, justement. Les deux principaux protagonistes ne s'apportent rien à l'un à l'autre ; ils ont juste fait un bout de chemin ensemble.

Conclusion Après 2h17, que penser de cette histoire, à chaud, impossible de répondre ? Finalement, c'est l'histoire d'un pauv' type qui se fait manipuler par un autre pauv' type. Loin d'être ce que peut-être le public attendait : une biographie du créateur de la scientologie, ce n'est en fait surtout pas un biopic ! C'est - paraît-il - un film bien plus sensible, plus intéressant, un grand film magnétique, mélancolique et dépressif, mais qui manque cependant un peu de dramaturgie. On y voit un homme sombrer au ralenti, un culte augmenter son emprise, une amitié s'effriter. Grandiose, The Master a la fulgurance d'un rêve d'insomniaque. Le dernier mot, s'il en faut un, revient à la beauté. God!

En somme, Bertrand et moi sortons de la salle avec la même tronche déconfite, lui en malaise, moi en indifférence, frustration d'une forme d'incompréhension... Serions-nous restés à côté ? Dérangeant, incompréhensible, d'un rythme difficile, sans fil conducteur, on est finalement ni pour ni contre et ce gel de l'émotion, ce refus du manichéisme, mènent à un ennui poli et glacé.

Sources : On aura tout vu, France Inter - 19/01/2013 ; Le Masque et la plume, France Inter - 13/01/2013 ; Le Figaro ; Le Nouvel Obs ; Première ; RUE 89 ; Studio Ciné live.
Crédits icono : © Metropolitan FilmExport

Grosse déception... Certes, le "Magasin des suicides" nous propose tous les moyens possibles et inimaginables pour nous envoyer dans l'au-delà et ce, en fonction de notre budget, de notre caractère et du panache avec lequel on souhaite marquer le coup. L’accueil y est presque des plus chaleureux, en tous cas patient avec nos doutes et hésitations, compatissant avec notre décision qui n'est pas à prendre à la légère et même ne poussant pas à l'achat car il faut bien réfléchir. Si pour preuve d'efficacité, ils n'offrent pas le service après-vente, ils assurent néanmoins les urgences nocturnes... avec un tarif de nuit bien sûr ! L'arrivée d'un troisième petit Tuvache chamboule la famille... comme le messie, par sa joyeuseté maladive, il amène la prise de conscience dans le commerce familial et peu à peu dans la ville, dans la vie... c'est tout beau, tout gentil !

© Diabolo Films / Régis Vidal & Florian Thouret

Soit disant adapté d'un conte cruel et sombre, je n'éprouve pas de mal-être ni guère de tristesse mais je ne suis jamais non plus morte de rire, j'esquisse juste quelques sourires aux bons gags. C'est assez amusant mais à la longue, le magasin devient étalage... Du conte à métaphore légère, je peux chercher la critique sociale d'un monde triste et sans perspective, d'un monde politiquement correct où l'on ne s'intéresse qu'aux moyens d'en finir et non aux causes car non seulement cela vous regarde mais il est interdit de se suicider sur la voie publique sous peine d'amende ! On passe ainsi d'un tableau noir à une ode au bonheur sans plus d'argumentaire dans un sens comme dans l'autre, qui s'avère superficiel, plat et même gentillet-énervant avec un excès de chansons horripilantes, façon comédie musicale... qui donnent envie de passer au geste fatal dans la salle même du ciné !!

Alors ce que je retiens de positif quand-même : le graphisme et la 3D que j'ai découverte.

© Diabolo Films / Régis Vidal & Florian Thouret

Mais je reste extrêmement frustrée de n'avoir pas compris pourquoi la vie mérite-t-elle tellement d'être vécue !?

Autres billets : La mort, "un scandale" ! (I) et Reculer pour mieux sauter ! (III)

Je termine ce we de Noël, où j'ai fait mon ours pour la seconde année, avec beaucoup de sensations entremêlées en moi et je ne sais somment les exprimer clairement.

Une année de plus... à la fois comme les autres à la fois complètement à part. Une année effrénée. Une année éreintante. Une année excitante. Une année angoissante. Une année mortelle. Une année de renouveau. Une année existentielle. Une année de pose de fondations. Une année d'éprouvante et fragile solitude. Une année de mauvaises surprises. Bref, une année d'ambivalences, de celles qui vous font avancer.

Je sors du cinéma où je suis allée voir le dernier film de Nicole Garcia "Un balcon sur la mer" où je découvre vraiment Jean Dujardin (parce que c'est pas dans les "Petits mouchoirs" qu'on pouvait vraiment le voir même s'il était l'objet du film) qui a l'air d'être la coqueluche du cinéma français de ces derniers temps... je découvre donc, avec un certain plaisir puisqu'émane de cette réputée "masse virile" une certaine gravité sensuelle... dont les fantasmes qui s'échappent, je ne suis pas dupe ni originale, sont ceux des 3/4 des bonnes femmes voire et de certains hommes aussi certainement.

Une transition... Je ne sais que dire. Écoutez plutôt Sarah Blasko ou bien Rebekka Karijord !